Mapeo de la evolución de la música: 23 avances que cambiaron la forma en que escuchamos

La música popular todavía cumple una función social similar a la que tenía en 1894 cuando Nosotros , entonces una publicación que cubría la industria de la publicidad exterior, lanzó su primer número: es tanto entretenimiento como comunión, un conducto tanto para la relajación como para la revelación. Aún así, no suena mucho como lo hizo en los albores del siglo 20, o incluso a principios del siglo 21. A medida que los artistas y empresarios adoptaron la nueva tecnología, moldearon el sonido y la forma de la música popular de formas que eran simplemente inconcebibles hace 125 años. El camino que conecta las partituras y SoundCloud es, por supuesto, largo y torcido, pero está marcado por docenas de innovaciones y avances monumentales que cambiaron la dirección de cómo se hacía y se escuchaba la música.

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1925: Thomas Edison patentó el fonógrafo en 1877, pero Victor Orthophonic Victrola ofrece audio de alta calidad a un precio asequible, lo que permite que la música, que por lo general es un asunto público o comunitario, se convierta más fácilmente en una experiencia en el hogar.

1931: Los micrófonos eléctricos se volvieron comunes a mediados de la década de 1920, pero en la década de 1930, artistas como Bing Crosby captaron todo su potencial, capturando una intimidad susurrada en canciones como Out of Nowhere de 1931 que cambiaron la relación entre el artista y el oyente.

Bing Crosby Clarence Sinclair Bull a través de la Fundación John Kobal/Getty Images

1940: Después de experimentar con el sonido estereofónico en los años 30, Walt Disney lleva Fantasound a las masas con Fantasia.

1948: Columbia debuta con discos de larga duración de 33 1/3 rpm, y en las décadas siguientes, artistas como Frank Sinatra (en In the Wee Small Hours de 1955) y The Beatles (en Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band de 1967) ayudarían a establecer la LP como lienzo para declaraciones artísticas de larga duración.

1949: En busca de una alternativa al disco de 78 rpm, un formato propenso a romperse, RCA Victor presenta sencillos de 45 rpm, que sonaban mejor y duraban más, y se prestaban a varias vueltas en jukeboxes y en casa.

Pictorial Press Ltd / Alamy Foto de stock

1951: en su estudio de Memphis Recording Service (más tarde llamado Sun Studio), el productor Sam Phillips grabó íconos como Elvis Presley y Johnny Cash. También fue pionero en muchas técnicas de estudio, capturando la primera guitarra fuzz en Jackie Brenstons Rocket 88 en 1951 y experimentando con eco y reverberación.

1952: Leo Fender presenta la Fender Esquire, la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido moderna y producida en masa, lo que marca el comienzo de una ola de innovación musical.

1955: Ampex desarrolla Sel-Sync, una grabadora de cinta que permite a los músicos sobregrabar una grabación existente; el guitarrista Les Paul, en ese momento desarrollando sus propios métodos de grabación multipista, se convierte en uno de los primeros en adoptar.

1962: El pionero productor e ingeniero de sonido Joe Meek introduce el pop en uno de los primeros sintetizadores en el éxito futurista Telstar de The Tornados.

1963: El primer productor superestrella, Phil Spector, muestra el exuberante estilo de producción de Wall of Sound en The Crystals Da Doo Ron Ron y The Ronettes Be My Baby.

Phil Spector y las Ronettes Ray Avery/Getty Images

1968: Tratada como una novedad en ese momento, Wendy Carlos Switched On Bach presenta la música electrónica al público con sintetizadores desarrollados por el ingeniero Robert Moog y la productora Rachel Elkind.

1970: Carlos tuvo que grabar Switched On Bach nota a nota, un proceso tedioso que no se podía replicar en vivo. Moog aborda este problema presentando el Minimoog, un instrumento pequeño y flexible diseñado para tocar en vivo.

Wendy Carlos Archivo GAB/Redferns

1974: Kraftwerk obtiene su primer éxito con Autobahn, que presenta un uso innovador de vocoder, sintetizadores Moog y otros instrumentos electrónicos que sentaron las bases para la música dance y disco.

1978: Roland lanza la primera gran caja de ritmos, la CR-78, que permite a los usuarios programar sus propios ritmos y da inicio a una revolución que cambió el rostro del pop, el dance y el hip-hop en la década siguiente.

David Pearson / Alamy Foto de stock

1979: Tascams Portastudio trae las capacidades de grabación multipista al dormitorio, lo que permite a los músicos crear proyectos ambiciosos con una facilidad sin precedentes. Bruce Springsteens 1982 LP, Nebraska , más tarde se convierte en el primer gran álbum grabado en un Portastudio.

Bruce Springsteen se presenta en The Omni Coliseum en Atlanta, Georgia, alrededor de 1982. Rick Diamond/Getty Images

1979: Aunque los auriculares existían desde años antes, la llegada del reproductor de casetes Walkman convierte la escucha de música en una experiencia más personal y portátil.

1979: los DJ de hip-hop grabaron discos a lo largo de los años 70, pero el tocadiscos Technics SL-1200MK2 hace que mezclar ritmos sea más fácil que nunca.

1983: El CD está ampliamente disponible, lo que permite a los oyentes saltar fácilmente de una pista a otra y buscar dentro de una canción, rompiendo un álbum en pedazos de una manera que pronto definiría la era digital.

1986: Akai lanza el MPC-60, un sampler de sobremesa que convierte el sampleo en la base del hip-hop de forma más rápida, elegante y democrática.

1991: Digidesign lanza la primera versión de Pro Tools, que lleva el poder de la grabación multipista a una computadora y amplía infinitamente las posibilidades de lo que los músicos pueden crear por su cuenta.

1998: Chers Believe pone las posibilidades creativas de Auto-Tune y corrección de tono en el mapa; en la próxima década, artistas de hip-hop como T-Pain y Kanye West lo adoptan.

Cher Mick Hutson/Redferns

2001: Aunque el MP3 nació en los años 90, la llegada del iPod e iTunes hace que escuchar el formato sea más fácil que nunca e introduce a muchos fanáticos de la música a las listas de reproducción.

2004: Apple presenta GarageBand, una alternativa de nivel de entrada a Pro Tools que democratizaría la tecnología de grabación digital e incluso empoderaría a los creadores de éxitos establecidos: Rihannas Umbrella se basa en uno de los bucles de batería gratuitos del software.

Este artículo apareció originalmente en la edición del 16 de noviembre de Billboard.

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